Le Pont-promenade sur le HMS Calcutta, James Tissot

Publié le 20 juillet 2016 par VisiMuZ

Le Pont-promenade sur le HMS Calcutta,1876, James Tissot, Tate Britain, Londres.

James Tissot (1836-1902), né Jacques-Joseph Tissot, est le plus britannique des peintres français. Il a vécu au moins trois vies. Durant la première sous le Second Empire, il a pour amis Degas, Flandrin, Fantin-Latour, Manet ou Whistler et participe à la vie mondaine de Paris. La seconde le voit à Londres, d’abord en 1862 et 1864 puis de 1871 à 1882. Après son retour définitif en France après la mort de sa compagne, il est touché par la grâce en 1888 et peint ensuite des sujets illustrant la Bible.

Son enfance dans une famille installée à Nantes et faisant le commerce du drap lui a donné très jeune le goût des étoffes et des ports. Tissot a été une des vedettes de l’expo d’Orsay en 2012 sur « l’Impressionnisme et la mode ». Certains avaient dit, un peu vite, qu’il était plus entré dans l’histoire de la mode que dans celle de la peinture.

Notre tableau montre une scène de séduction. Tissot est coutumier de ce trio (un homme et deux femmes, qu’on retrouve par exemple dans Portsmouth Dockyard (ca 1877), de cet homme (ici, un officier du bord) qui tente d’engager la conversation avec une jeune fille (timide et cachée derrière son éventail), protégée par son chaperon qui l’isole d’un contact plus proche avec le jeune homme. On est loin du réalisme. Le peintre montre une société de privilégiés, entre glamour, luxe et superficialité, dont le charme agit plus facilement avec la distance née du temps passé depuis cette époque. Le monde que dépeint Tissot n’a pas eu l’heur de plaire à l’écrivain et critique John Ruskin qui a évoqué à son propos de « simples photographies en couleurs de la société vulgaire ».
Mais on a vu il y a quelque temps à propos de Whistler que le goût de Ruskin en peinture était assez étriqué. Même si son succès a été grand de son vivant et qu’il n’eut contrairement à beaucoup de peintres jamais de problèmes de fin de mois, la reconnaissance de Tissot en tant qu’artiste va être tardive. En 1940, seules 40 de ses toiles étaient accrochées dans des musées. La situation a bien changé et on compte une vingtaine d’enchères au-delà du million de dollars pour les toiles de Tissot dans les quinze dernières années.

Photo wikimedia commons Thegalleryofhmscalcutta james tissot 1876 Usr Austriacus

Coup de vent devant Frascati, Eugène Boudin

Publié le 17 juillet 2016 par VisiMuZ

Coup de vent devant Frascati, 1896, huile sur toile, 55,5 x 91 cm, Eugène Boudin, Petit Palais, musée des Beaux-arts, Paris.

Encore un tableau énigmatique quand seul le titre vous en est donné. On aperçoit au fond l’entrée du port (feu rouge de babord) du Havre. Frascati était un établissement de bains havrais, fondé en 1827, puis fermé en 1831 et réouvert avec des aménagements plus conséquents sur la plage en 1838. La station balnéaire du Havre est alors lancée et l’arrivée du chemin de fer en 1847 amène en masse des Parisiens sur la côte normande. En 1896, date de notre tableau, Frascati est donc une institution où il est important d’aller, où l’on vient aussi pour voir et être vu. Boudin, le roi des ciels, selon le mot de Corot, est aussi ici le roi de la mer. La mer est presque blanche d’écume, ce qui correspond effectivement à un coup de vent.

Les cabines de plage vont certainement souffrir de ce coup de vent, de même que l’épi de bois au premier plan. Une autre toile du même sujet et de la même année existe (collection particulière). La seule différence est la présence supplémentaire d’un cargo sur la mer. En 1896, Boudin à 72 ans, Il possède pleinement son art, peint souvent une toile en une seule journée, mais malheureusement va s’éteindre 2 ans plus tard.

18/07/2016

Photo Courtesy The Athenaeum Usr rocsdad

L’Hôtel de ville d’Auvers, le 14 juillet, 1890, Vincent Van Gogh

Publié le 13 juillet 2016 par VisiMuZ

L’Hôtel de ville d’Auvers, le 14 juillet, 1890, huile sur toile, 72 x 93 cm, Vincent Van Gogh, collection particulière

En ce 14 juillet 1890, Vincent ne sait pas qu’il ne lui reste que quinze jours pour réaliser ses derniers tableaux. Il profite de l’ambiance, en ajoutant, comme souvent, du jaune de chrome dans sa peinture.

La célébration du 14 juillet n’existe alors que depuis 10 ans (avant, la fête, c’était le 30 juin, n’est-ce-pas messieurs Monet, rue Montorgueil et Manet, rue Mosnier). Elle inspire visiblement Vincent, qui déjà, en 1886, lui avait consacré un tableau.

Impression du quatorze juillet, 1886, huile sur toile, 44 x 39 cm, Vincent van Gogh,collection Hahnloser, villa Flora, Winterthur.

On peut voir toute l’évolution du peintre en quatre ans et la puissance que la lumière du midi a apportée dans sa peinture.

Toute une histoire à retrouver dans sa biographie chez VisiMuZ

Pour la célébration de la fête nationale, Vincent vient après Manet et Monet, avant Childe Hassam, dont nous avons parlé longuement ici, il y a quelques mois, et avant Dufy ou encore Marquet.

14/07/2016

photos wikimedia commons
1 File Van_Gogh_-_Das_Rathaus_in_Auvers_am_14._Juli_1890 Usr Mefusbren69
2 File : an_Gogh_-_Der_14._Juli_in_Paris.jpeg Usr Mefusbren69

Nature morte aux pommes et aux primevères, Paul Cézanne

Publié le 5 juillet 2016 par VisiMuZ

Nature morte aux pommes et aux primevères, ca 1890, hst, 73 x 92.4 cm, Paul Cézanne, Metropolitan Museum of Art, New York.

Cézanne ne voulait pas utiliser de fleurs fraîchement coupées dans ses natures mortes car son exigence de perfection lui faisait reprendre son sujet de nombreuses fois et les fleurs fanaient avant qu’il ait eu le temps de les peindre.

Il ne peignit des fleurs en pots que trois fois entre 1878 et 1906.

Les pommes sont par contre un motif récurrent liées à un souvenir d’enfance. Il avait défendu le jeune Émile Zola dans la cour de récréation du collège Bourbon à Aix. Il résulta de la bagarre gagnée par Cézanne une appellation : « Les deux inséparables ». Le lendemain, Émile apporta pour le remercier un panier de pommes à son défenseur. Paul dira beaucoup plus tard « Elles viennent de loin, les pommes de Cézanne ».

Notons aussi que le tableau du jour a appartenu un temps à Claude Monet.
Les deux amis sont restés proches jusqu’en 1886, année de parution de L’Œuvre, roman d’Émile Zola qui allait sceller leur rupture. On pensait jusqu’en 2013 que cette rupture avait été définitive à compter du 4 avril 1886 mais le passage aux enchères d’une lettre du 29 novembre 1887 de Paul à Émile a permis de montrer que cette rupture avait dû être plus progressive.

lettre à retrouver ici et biographie chez VisiMuZ de Cézanne par son ami Georges Rivière à retrouver là.

Photo wikimedia commons
File: WLA_metmuseum_Still_Life_with_Apples_and_a_Pot_of_Primroses_by_Cezanne Usr Kaldari

Les Joueurs de football, Henri Rousseau, dit le Douanier

Publié le 3 juillet 2016 par VisiMuZ

Les Joueurs de football, 1908, huile sur toile, 100,5 x 80,3 cm, Henri Rousseau, dit le Douanier, Solomon R Guggenheim Museum, New York

En 1908, Picasso et Fernande Olivier vivaient au Bateau-Lavoir. Modigliani aussi, mais il restait un peu en retrait.
Picasso était un admirateur de Rousseau, qu’Apollinaire avait surnommé le « douanier », alors qu’il n’avait été qu’un employé de l’octroi. Pablo acheta alors un tableau d’Henri, et décida d’organiser avec sa « bande » (Derain, Braque, Vlaminck), un banquet en l’honneur du douanier. Fernande Olivier a raconté plus tard (en 1933 dans Picasso et ses amis) que, les libations aidant, Rousseau aurait dit ce soir-là à Picasso : « Nous sommes les deux plus grands peintres de l’époque, toi, dans le genre égyptien, moi dans le genre moderne. »
On ne pouvait pas dire à cette époque que la phrase était surréaliste, cela aurait été totalement anachronique (le surréalisme date de 1924), mais l’esprit y était.
Notre tableau du jour participe de cet esprit. La phrase d’Henri n’était pas dénuée de tout fondement, Rousseau, dans le choix de ses sujets, était très intéressé par le monde moderne. Il a choisi le premier de représenter avions, ballons, ou encore des poteaux électriques. Ses joueurs de foot nous emmènent dans son monde un peu onirique, dans lequel les joueurs de foot pourraient faire partie des « brigades du Tigre ». On imagine de surcroit l’effet de ces costumes rayés sur les pelouses des stades. Et quid des fautes de main ? Mais que fait donc l’arbitre ?
Dès 1891, Félix Vallotton, alors critique d’art, avait écrit à propos de Rousseau et d’un de ses tableaux de jungle : « Il est à voir, c’est l’alpha ou l’oméga de la peinture, et si déconcertant que les convictions les plus enracinées s’arrêtent et hésitent devant tant de suffisance et tant d’enfantine naïveté… Il est toujours beau de voir une croyance, quelle qu’elle soit, si impitoyablement exprimée. J’ai, pour ma part, une estime sincère pour ces efforts, et je les préfère cent fois aux déplorables erreurs d’à-côté… »
Alors c’est qui le plus grand dans le genre moderne ?

04/07/2016

photo wikimedia commons : File:Henri_Rousseau_-_The_Football_Players.jpg Usr : Coldcreation.

La Mousmé, Vincent van Gogh

Publié le 29 juin 2016 par VisiMuZ

La Mousmé, juillet 1888, huile sur toile, 73,3 x 60,3 cm, Vincent van Gogh, National Gallery of Art, Washington (DC)

On sait que Vincent a été séduit par l’art japonais, ses aplats, ses lignes englobantes et qu’il a découvert avec bonheur l’art de Hokusai ou Hiroshige. De plus, déséquilibre psychique aidant, Vincent a considéré qu’Arles et plus généralement le midi correspondaient à l’atmosphère du Japon . Aussi dans sa période provençale, Vincent pense au Japon, il parle ainsi à son fère Théo de « ce qui est l’équivalent du Japon, le midi. »

Une mousmé est selon l’argot de l’époque, un jeune fille japonaise de 12 à 16 ans. Le mot vient du japonais « musume » et avait été introduit en France par Pierre Loti. Vincent a peint ce tableau en juillet. Il est à cette époque relativement apaisé, sa vision du Japon correspond à cette sérénité. On sait que tout cela se finira mal avec le séjour de Gauguin à partir d’octobre et l’oreille coupée.

Retrouvez toutes les anecdotes de la vie de Van Gogh et les liens entre sa vie et son œuvre dans sa biographie chez VisiMuZ

La branche d’olivier en fleurs pourrait correspondre aux croyances de Vincent en des cycles de mort et de renaissance liés à la nature. Contrairement à plusieurs autres de cette époque (la série des Tournesols ou les portraits de la famille Roulin), cette toile n’a pas connu de réplique. Vincent y a mis toute son énergie et la considérait comme une de ses meilleures toiles de l’année. On ne sera pas surpris du côté « fashion » de la tenue de cette jeune arlésienne que n’aurait pas désavouée Christian Lacroix. Il suffit de savoir par exemple que la grande photographe Annie Leibovitz s’est inspirée de ce tableau dans le numéro de Vogue de décembre 2013 pour illustrer un article sur l’actrice américaine Jessica Chastain.

À voir ici pour les curieux

Photo wikimedia commons File:Vincent_van_Gogh_-_La_Mousm%C3%A9.jpg Usr Botaurus

Soirée d’été, 1886, Childe Hassam

Publié le 27 juin 2016 par VisiMuZ

Soirée d’été, 1886, huile sur toile, 30,8 x 51,75 cm, Childe Hassam, Florence Griswold Museum, Old Lyme, Connecticut

Un thème de circonstance alors que la météo semble enfin s’améliorer.

Ce tableau de Childe Hassam (1859-1935) se trouve dans un tout petit musée du Connecticut. C’est fou ce que la côte Est des États-Unis comprend de musées riches en œuvres du XIX^e ! Sans même parler des grands (Met, MoMa, NGA Washington, Philly, Boston) il faut aussi citer par exemple les musées de Harvard, de Virginie, de Washington, de Baltimore, de Boston, de Brooklyn, du Vermont, de Buffalo, etc. La liste est impressionnante. Durand-Ruel indiquait déjà vers 1900 que sans ses clients américains, il n’aurait pas pu subsister et rester le marchand des impressionnistes.

Childe Hassam est l’un des premiers impressionnistes américains, influencé lors de ses presque quatre années en France (1886-1889) par Claude Monet. Nous ne comptabilisons à ce titre pas Miss Cassatt plus française par ses œuvres qu’américaine (une curiosité aux USA, Mary Cassatt est américaine malgré ses 60 ans en France et… Marcel Duchamp est aussi américain : deux poids, deux mesures.).

Un autre tableau d’Hassam est accroché dans le bureau ovale de la Maison Blanche.

Soirée d’été date du début du séjour de l’artiste en France. Le peintre souhaitait d’abord « rendre une atmosphère » et il nous semble que sa tentative est ici couronnée de succès.

On trouvera un commentaire complémentaire sur les protagonistes de cette histoire dans un tableau que nous avons déjà publié, qui a été réalisé à la même époque, à retrouver ici.

28/06/2016

Photo wikimedia commons File:Summer_Evening_Frederick_Childe_Hassam_1886.jpeg Usr MarmadukePercy

La Tour Eiffel, Georges Seurat

Publié le 25 juin 2016 par VisiMuZ

La Tour Eiffel, 1889, hsp, 24,1 x 15,2 cm, Georges Seurat, Legion of Honor, Fine Arts Museums of San Francisco (CA)

Ainsi commence La vie errante, le récit de voyage de Guy de Maupassant qui fait suite à Sur l’eau.

« :J’ai quitté Paris et même la France, parce que la tour Eiffel finissait par m’ennuyer trop.

Non seulement on la voyait de partout, mais on la trouvait partout, faite de toutes les matières connues, exposée à toutes les vitres, cauchemar inévitable et torturant. Ce n’est pas elle uniquement d’ailleurs qui m’a donné une irrésistible envie de vivre seul pendant quelque temps, mais tout ce qu’on a fait autour d’elle, dedans, dessus, aux environs.

Comment tous les journaux vraiment ont-ils osé nous parler d’architecture nouvelle à propos de cette carcasse métallique, car l’architecture, le plus incompris et le plus oublié des arts aujourd’hui, en est peut-être aussi le plus esthétique, le plus mystérieux et le plus nourri d’idées ? Il a eu ce privilège à travers les siècles de symboliser pour ainsi dire chaque époque, de résumer, par un très petit nombre de monuments typiques, la manière de penser, de sentir et de rêver d’une race et d’une civilisation. Quelques temples et quelques églises, quelques palais et quelques châteaux contiennent à peu près toute l’histoire de l’art à travers le monde, expriment à nos yeux mieux que des livres, par l’harmonie des lignes et le charme de l’ornementation, toute la grâce et la grandeur d’une époque.

Mais je me demande ce qu’on conclura de notre génération si quelque prochaine émeute ne déboulonne pas cette haute et maigre pyramide d’échelles de fer, squelette disgracieux et géant, dont la base semble faite pour porter un formidable monument de Cyclopes et qui avorte en un ridicule et mince profil de cheminée d’usine.

C’est un problème résolu, dit-on. Soit – mais il ne servait à rien ! – et je préfère alors à cette conception démodée de recommencer la naïve tentative de la tour de Babel, celle qu’eurent, dès le XII^e siècle, les architectes du campanile de Pise.

L’idée de construire cette gentille tour à huit étages de colonnes de marbre, penchée comme si elle allait toujours tomber, de prouver à la postérité stupéfaite que le centre de gravité n’est qu’un préjugé inutile d’ingénieur et que les monuments peuvent s’en passer, être charmants tout de même, et faire venir après sept siècles plus de visiteurs surpris que la tour Eiffel n’en attirera dans sept mois, constitue, certes, un problème puisque problème il y a – plus original que celui de cette géante chaudronnerie, badigeonnée pour des yeux d’Indiens.

Je sais qu’une autre version veut que le campanile se soit penché tout seul. Qui le sait ? Le joli monument garde son secret toujours discuté et impénétrable… »

Maupassant nous entraîne alors, avec le ton dont il a le secret, de Cannes à Florence, de Naples en Sicile, d’Alger à Tunis, de Kairouan à Sousse. Et VisiMuZ a retrouvé les tableaux, statues, etc. qui allient le plaisir de la contemplation à celui de la lecture. Retrouvez les 75 reproductions en lien avec le texte élégant, fluide, et plaisant de Guy de Maupassant.

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Photo 1 : Courtesy The Athenaeum, rocsdad
Photo 2 : VisiMuZ.

Portrait de Misia Natanson, Henri de Toulouse-Lautrec

Publié le 17 juin 2016 par VisiMuZ

Portrait de Misia Natanson, 1897, hst, 82 x 96 cm, Henri de Toulouse-Lautrec, musée des Beaux-Arts de Berne.

Marie Sophie, dite Misia, Godebska (1872-1950) était pianiste. Elle a été l’égérie et le mécène de nombreux artistes. Elle a d’abord été l’épouse de Thadée Natanson (1893-1905) puis d’Alfred Edwards (1905-1920) et enfin du peintre José Maria Sert entre 1920 et 1927. Elle était la maîtresse de Sert depuis 1908. Une exposition décrivant ses rapports avec les peintres lui a été consacrée au musée d’Orsay en 2012.

Le portrait de Misia est un thème que l’on retrouve souvent dans la peinture vers 1900. Ses portraits par Vuillard, par Bonnard, par Renoir , par Vallotton ou comme ici par Lautrec permettaient d’allier plusieurs talents (la peinture, la musique) à la beauté, et à l’argent. Un vrai thème « people » de cette Belle Époque. Et en plus, tous ces artistes étaient royalement payés pour passer un moment en compagnie de la reine de Paris.

Un peu comme si aujourd’hui Jeff Koons réalisait le portrait d’Angelina Jolie, une technique de promotion qui met en valeur tant le peintre que le modèle et qui a perduré dans les années 20-30, avec Kees van Dongen qui en était le spécialiste, avant Bernard Buffet dans les années 50, ou Andy Warhol dans les années 60 à 80 avec les portraits de Jackie (Kennedy), de Liz (Taylor) ou de Brigitte (Bardot, adjugée 8 ,1 millions d’euros en 2007).

Il est dommage que Lautrec n’ait pas restitué toutes les nuances de la Misia décrite par Paul Morand dans Venises : « Misia, […] telle qu’elle exista : effervescente de joie ou de fureur, originale et emprunteuse, récolteuse de génies, tous amoureux d’elle : Vuillard, Bonnard, Renoir, Stravinsky, Picasso… collectionneuse de cœurs et d’arbres Ming en quartz rose ; lançant ses lubies, devenues des modes aussitôt exploitées […] Misia, reine du baroque moderne, ayant organisé sa vie dans le bizarre, dans la nacre, dans le Burgau ; Misia boudeuse, artificieuse, géniale dans la perfidie, raffinée dans la cruauté […]. Elle excitait le génie comme certains rois savent fabriquer des vainqueurs, rien que par la vibration de son être ».

Misia a laissé des traces durables. En 2013, Alexandra Lamy a interprété le personnage de Misia dans La Vénus au phacochère

Retrouvez tout Lautrec dans sa biographie enrichie… chez VisiMuZ

Photo VisiMuZ

Au petit-déjeuner, L. A. Ring

Publié le 15 juin 2016 par VisiMuZ

Au petit-déjeuner, 1898, huile sur toile, 52 x 40,5 cm, L.A. Ring, National Museet, Stockholm.

Laurits Andersen (1854-1933), né à Ring, au Seeland, est maintenant appelé plus fréquemment L.A. Ring après qu’il a pris le nom de son village natal. Il fait partie de ces peintres injustement méconnus, du fait de la trop grande publicité accordée aux impressionnistes français à la même époque. Héritier du « Golden Age » danois, il a été aussi influencé par Jean-François Millet, Paul Gauguin (dont la femme Mette était danoise) ou encore Jean-François Raffaëlli.

Il est à la fois un peintre symboliste (qui aurait pu se joindre aux Nabis à la même époque) et en même temps un réaliste social. Ses peintures montrant parfois des aspects déplaisants de la vie ont fait qu’il a été quelquefois surnommé « l’Apôtre de l’hideux ».

Rien de tel dans notre tableau du jour qui représente de dos sa femme, Sigrid Kähler (1874-1923), qu’il a épousée en 1896. Les branches de myrte au-dessus de la tête de Sigrid sont un symbole d’Aphrodite (dans la mythologie grecque), donc de l’amour qu’il lui porte. Au Danemark, le myrte est utilisé encore aujourd’hui lors des mariages. Le couple aura trois enfants.

La lumière froide et la décoration, de style gustavien, sont caractéristiques des tableaux danois de cette période. Le modèle est de dos, en train de lire le journal, une position encore inconcevable trente ans auparavant. Mais pendant les années 1880, Degas, Mary Cassatt et Berthe Morisot étaient passés par là.

Notons aussi que L.A. Ring a visité la Sicile juste quatre ans après Guy de Maupassant. Une histoire qui va prendre du sens dans un prochain ouvrage chez VisiMuZ.

16/06/2016

Photo wikimedia commons File Laurits Andersen Ring – Ved frokostbordet og morgenaviserne.jpg Usr : P.S. Burton

L’Entrée dans la baie, Agay, matin, J.Baptiste Armand Guillaumin

Publié le 10 juin 2016 par VisiMuZ

L’Entrée dans la baie, Agay, matin, 1901, huile sur toile, 65 x 81 cm, J.Baptiste Armand Guillaumin, collection particulière

Un tableau à retrouver dans l’ebook Sur l’eau par Guy de Maupassant, gratuit au mois de juin 2016, pour vous permettre de découvrir et d’apprécier les ebooks enrichis de VisiMuZ Éditions.

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Maupassant – Sur l'eau – Littérature et Beaux-Arts en numérique

La Danseuse chez le photographe, Edgar Degas

Publié le 7 juin 2016 par VisiMuZ

La Danseuse chez le photographe, 1877-78, hst, 65 x 50 cm, Edgar Degas, musée Pouchkine, Moscou.

Devant nous, une danseuse dans le contre-jour, un parquet, un meuble indistinct sur la droite. Des bandes horizontales sur le plancher, verticales sur la fenêtre dessinant un quadrillage virtuel (pour une mise au carreau ?). Au-delà un vitrage faisant penser à un atelier d’artiste, et derrière les toits et murs de Paris. Si l’artiste ne le disait pas dans le titre, rien ne permettrait d’indiquer que nous sommes dans le studio du photographe.

Mais le peintre éprouve le besoin de nous le dire. Était-il dans le studio du photographe, à dessiner pendant que celui-ci travaillait ? Il a forcément terminé ce tableau à son atelier, on imagine assez mal la jeune danseuse poser longtemps dans cette position. L’art doit il être expression de la réalité ? Question vieille comme la peinture elle-même à laquelle les réponses sont multiples : art idéalisé et lisse des néo-classiques contre réalisme d’un Courbet, le « je peins ce que je vois » d’un Manet, l’art comme expression d’une « Idea » intérieure à l’esprit du peintre dès la fin de la Renaissance et le Maniérisme ? Toutes ses réflexions ont été bouleversées avec l’apparition de la photographie en 1822 et sa diffusion après 1850. On sait maintenant le tournant pris par la peinture au XX^e siècle.

Degas lui-même est devenu photographe en 1895-96 et ses pastels postérieurs doivent beaucoup à ces monotypes. Mais avant ? On sait que Degas cherchait en peinture à capturer le mouvement, celui des ballets ou des chevaux ! Est-il fasciné par cette invention qui permet de fixer la pose du modèle ?

Retrouvez la vie et les œuvres de Degas dans sa biographie par Paul Jamot, avec plus de 200 reproductions, chez VisiMuZ.

Signalons pour finir qu’Antoine Terrasse (1928-2013), petit-neveu de Pierre Bonnard, a consacré un livre à « Degas et la photographie », Denoel, 1983.

08/06/2016

Photo wikimedia commons Edgar_Germain_Hilaire_Degas_020 licence CC-PD-Mark UsrEloquence

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